Tag Archives: seni

“20 Tahun”: Pandangan Retrospektif Karya-karya Koh Sangwoo

– image: Koh Sangwoo

 

Seniman Korea Selatan Koh Sangwoo, yang dikenal lewat karyanya yang menangkap subjek dengan film-film negatif, baru-baru ini menerbitkan sebuah buku berjudul “20 Tahun”, koleksi lengkap karyanya hingga saat ini.

Ini memberi kita sekilas tentang cara kerjanya dari proses pemikiran dan juga menunjukkan kepada kita bagaimana gayanya telah berkembang selama dua dekade terakhir. Sementara “20 Tahun” menampilkan karya-karya khasnya yang mengusung warna “biru”, yang juga berisi puisi yang ditulis olehnya dan cuplikan dari buku hariannya. Dalam “catatan editor”, ia memberikan wawasan lebih jauh bagi pembaca.

Melalui terbitan ini, Koh membawa kita dalam perjalanan melalui karya seninya, menceritakan kisah akan koneksi atau hubungan sesuatu dan mengajak pembaca untuk berpikir lebih dalam tentang makna ceritanya.

Dengan menangkap subjeknya dalam bentuk yang paling rentan dalam hal negatif, Koh Sangwoo membentuk kembali cara kita melihat dan memahami dunia dan orang lain di sekitar kita. Seorang seniman visual yang menggabungkan fotografi, pertunjukan, dan lukisan dalam upaya untuk menantang bagaimana kita melihat diri kita sendiri dan lingkungan tempat kita tinggal.

 


– image: Koh Sangwoo

 

Koh menggambarkan karyanya sebagai sebuah pertunjukan — menghadirkan berlapis-lapis potongan, warna, gerakan, dan menangkap esensinya ke dalam bidikan diam. Dia adalah seorang seniman yang membanggakan dirinya dalam membela apa yang dia yakini.

Koh, lahir dari keluarga seniman di Seoul, pergi ke AS untuk belajar seni. Baginya, ide untuk memiliki lebih banyak kreativitas dan visi adalah yang membuatnya tertarik untuk belajar di luar negeri daripada tinggal di Korea Selatan. Setelah itu, ia melanjutkan studi dan lulus dari Chicago School of Art Institute pada tahun 2001.

Dengan dirilisnya buku barunya, Koh terus mendorong batas-batas cara kita melihat dunia di sekitar kita.

Jika Anda ingin mempelajari lebih lanjut tentang bukunya, klik di sini.

Disadur dari tulisan Sarah Ridzwan “20 Years: A Retrospective Look at Koh Sangwoo’s Works” www.luxuo.com.

Satu Dekade, Galeri “Art Works” Bertumbuh Makin Kuat

 – Troy Sadler, Managing Director Art Works Group

 

Pasar seni global mengalami pertumbuhan dalam beberapa bulan terakhir. Sementara sektor-sektor tertentu seperti industri makanan dan minuman perlahan-lahan pulih dari dampak buruk pandemi, permintaan akan seni juga terus meningkat. Troy Sadler, Managing Director Art Works Group, galeri dan firma penasihat seni yang berbasis di Singapura optimistis dengan prospek pasar seni di Singapura.

Salah satu alasan mengapa permintaan meningkat bisa jadi karena saat ini jumlah waktu yang dihabiskan orang di rumah juga turut meningkat. Ini memberikan kesempatan bagi banyak orang untuk berkesempatan merapikan ruang tempat mereka sekarang bekerja dan tinggal. Dan karya seni adalah cara yang tepat bagi pemilik rumah untuk mengekspresikan diri dan mengubah tampilan tempat tinggal mereka.

Dalam hal ini, Art Works kemudian menjadi perusahaan yang bertujuan untuk membantu pemilik rumah mencapai tujuan tersebut. Dengan penerapan social distancing atau jarak sosial di masyarakat, Art Works kemudian meluncurkan galeri online awal Maret ini. Beralih ke lanskap digital menjadi bagian penting dari model bisnis saat ini dan pasar yang sangat tradisional, seperti seni, harus beradaptasi dengan norma baru. Galeri online hadir menampilkan karya seni kontemporer, seni rupa, dan yang bernilai investasi dalam koleksi yang dikurasi dengan baik.

 

– “Cinical High” oleh John Paul Fauves

 

“Klien dapat datang dan membeli karya seni untuk rumah mereka. Karya yang kami tangani adalah 99% kontemporer dan lukisan minyak di atas kanvas,” kata Sadler. “Kami membawa karya dari berbagai seniman internasional di seluruh Eropa, AS, dan Asia.”

Lebih dari sekadar model bisnis, tujuan galeri online adalah membuat karya seni lebih mudah diakses oleh semua orang dan proses pembelian karya seni tidak terlalu mengintimidasi. Ada anggapan lama bahwa seni ditujukan untuk para elit dan digunakan sebagai simbol status. Namun, saat seni bersinggungan dengan budaya populer dan menjadi bagian dari kehidupan sehari-hari, kepercayaan lama itu pun memudar.

Perjalanan Sadler menjadi seorang veteran di kancah seni adalah salah satu yang menarik. Percobaan pertamanya ke pasar seni berasal dari interaksinya dengan seniman, aktor, dan pembuat film saat dia melatih tenis di East Hamptons, New York. Klien di klub tempat dia bekerja termasuk Robert Downey Sr, Robert De Niro, Eric Fischl dan Ralph Gibson. Mereka banyak berbincang tentang seni dan ini menarik minat Sadler.

 


– Seniman Danny Minnick dengan Robert Downey Jr.

 

Dia akan bertanya apakah dia bisa mengunjungi pameran seni dan melihat apa yang terjadi di balik layar. Menghabiskan beberapa tahun di berbagai studio membantu Sadler membentuk pemahaman tentang bagaimana pasar seni berfungsi dan itu memicu minatnya pada aset kelas alternatif.

Pada tahun 2006, Sadler pindah ke Hong Kong di mana ia mendirikan Platinum Wines and Spirits — alkohol juga merupakan jenis kelas aset alternatif yang telah mendapatkan popularitas dalam beberapa tahun terakhir — kemudian enam tahun kemudian, pada tahun 2012, ia mendirikan Blue Sky Artists. Perusahaan ini mewakili seniman internasional dan memasok karya seni mereka ke berbagai galeri dan dealer di seluruh Asia Pasifik. Di sinilah Sadler terjun penuh waktu ke pasar seni.

Sementara Sadler berurusan dengan seniman, galeri, dan dealer, dia mengenal pemilik Art Works dan memutuskan untuk membeli perusahaan itu. Art Works didirikan pada tahun 2011 dan di bawah kepemimpinannya, ia berkembang pesat selama bertahun-tahun. Banyak seniman memilih Art Works untuk mewakili mereka, dan ini termasuk seniman yang baru muncul dan seniman karir menengah dari berbagai negara. Di dalamnya, termasuk seniman inovatif pada tahun 2021 seperti Lincoln Townley, Danny Minnick, Igor Dobrowolski, Ma Dongmin dan John Paul Fauves.

 

– “Director’s Night Out” oleh Lincoln Townley

 

Tak dapat dipungkiri bahwa tahun lalu mengerikan karena pandemi membuat ekonomi terhenti dan banyak industri menderita sebagai akibatnya. Karya Seni pun tak luput dari dampak pandemi Covid-19. Pembatasan fisik berarti lebih sedikit orang melangkahkan kakinya ke galeri dan membeli barang secara online masih merupakan konsep baru bagi banyak kolektor seni. Penjualan pada tahun 2020 anjlok meskipun laporan penjualan menyebutkan pertumbuhan yang sehat antara 2017 hingga 2019. Sadler dan timnya bertahan dan hal menggembirakan dari semua ini adalah pengenalan galeri online, seperti yang disebutkan sebelumnya.

Sadler bangga galeri tersebut berhasil mencapai penjualan senilai 1 juta dolar Singapura pada Agustus bulan lalu meskipun ekonomi masih dalam tahap pemulihan. Berbagi lebih banyak tentang apa yang telah dia amati selama beberapa bulan terakhir, Sadler mengatakan bahwa pembeli Singapura sekarang menghasilkan 50 persen dari penjualan dibandingkan dengan 30 persen sebelumnya. Pasar berkembang dan ditambah dengan pendidikan yang lebih besar tentang keamanan investasi seni, ia melihat bahwa adanya peningkatan apresiasi dan minat publik dalam semua bentuk seni.

 


– Karya seni Ma Dongmin

 

Banyak orang sekarang melihat seni sebagai salah satu kelas aset paling stabil dan andal di pasar investasi alternatif — di samping alkohol. Calon investor yang ingin mendiversifikasi portofolio mereka dapat memanfaatkan keahlian dari badan penasihat Art Works, yang dapat memberikan layanan konsultasi. Sadler yakin bahwa klien akan dapat memperoleh antara 10 hingga 15 persen apresiasi modal dengan kumpulan seniman yang mereka pilih dengan cermat. Semua karya seni datang langsung dari seniman, memberikan Art Works harga terbaik untuk klien mereka.

Pertanyaan umum yang didapat Sadler dari kliennya adalah, “Dapatkah saya segera menjual karya seni yang saya beli setelah satu tahun?” Untuk itu, dia menjawab, “Beri diri Anda minimal 7 hingga 10 tahun sebelum menjual karya seni apa pun.” Investasi seni membutuhkan pandangan jangka panjang dan Sadler terus terang mengatakan bahwa Art Works tidak tertarik bekerja dengan klien yang hanya ingin “flip”. Pada akhirnya, adalah kepentingan kedua belah pihak untuk membuat seniman tumbuh dan menjadi lebih dikenal.

 


– Karya seni Igor Dobrowolski

 

Bicara tentang digitalisasi, proliferasi Non-Fungible Tokens (NFT) telah menjadi hal yang populer baru-baru ini dan ketika ditanya bagaimana hal ini akan mempengaruhi pasar seni fisik, Sadler mengatakan bahwa dia menyambut baik bentuk “seni” baru ini. Dia merasa bahwa itu hanya akan membantu menumbuhkan pasar seni secara keseluruhan tetapi tidak akan pernah benar-benar menggantikan seni fisik. Dia menyamakannya dengan perbedaan antara musik digital dan alat musik; yang pertama tidak akan pernah sepenuhnya menggantikan yang terakhir. NFT tidak akan pernah menggantikan seni fisik tetapi sebaliknya, Sadler melihatnya sebagai pelengkap.

Sadler tetap berpikiran terbuka dengan perkembangan baru dalam bidang seni digital dan tidak mengabaikan gagasan NFT sepenuhnya. Penelitian lebih lanjut perlu dilakukan untuk melihat bagaimana Art Works dapat melibatkan dirinya dalam lingkup yang sedang berkembang pesat ini. Menjadi salah satu galeri seni paling maju di Singapura dan sekitarnya, mungkin tidak akan lama sebelum perusahaan memulai serangkaian kolaborasi baru dengan seniman untuk menawarkan kepada penggemar blockchain sebuah jalan untuk memiliki karya seniman favorit mereka.

Kunjungi situs web Art Works di sini atau ikuti Instagram @artworks_sg mereka untuk informasi lebih lanjut.

Disadur dari tulisan Joseph Low, Luxuo.com, “A Decade On, Troy Sadler’s Art Works Group is Stronger Than Ever”. 

Seniman Gabriel Dufourcq: Lebih dari yang Terlihat

Melihat karya seni Gabriel Dufourcq, Anda pasti akan fokus pada ikon-ikon yang ditampilkannya. Namun, ada sesuatu yang lebih dari yang terlihat mata, karena di balik sosok ikonik tersebut terdapat berita utama surat kabar dan arsip asli berusia 200 tahun, terkait dengan ikon politik dan pop tersebut. Sepintas, sebuah karya seni yang disajikan kepada kita mungkin berbicara tentang praduga, tetapi karya seni Dufourcq mengundang kita untuk memeriksa kembali dengan lebih detail mempertanyakan apa yang kita yakini tersebut. Dengan begitu, kita bisa mendapatkan lebih banyak informasi.

Berbicara dengan Gabriel Dufourcq, sang seniman mengungkapkan apa artinya menjadi seorang seniman dan bagaimana di luar latar belakang formalnya di bidang Ekonomi dan MBA, pendekatan holistiknya terhadap kehidupan memicu kreativitas dan mendorong perkembangan gaya dalam berkarya.

Anda berasal dari Prancis dan sekarang tinggal di Singapura. Ceritakan tentang langkah pertama Anda sebagai seorang seniman?

Saya tidak benar-benar berpikir ada langkah pertama sebagai seorang seniman. Ini lebih seperti hal-hal secara bertahap mengungkapkan diri Anda dari waktu ke waktu, dan Anda akhirnya menciptakan sesuatu yang orang lain sebut “seni”. Jika saya ingat, saya merasa awalnya kebutuhan yang tulus dan mendalam untuk menciptakan sesuatu, untuk melahirkan dan mengungkapkan diri dalam satu atau berbagai cara dengan menghubungkan ide dan inspirasi. Mewujudkan ide untuk sebuah karya seni pada akhirnya membuat ruang di pikiran Anda!

Saya berasal dari Prancis tetapi telah menghabiskan 12 tahun terakhir di Singapura. Setelah menghabiskan beberapa tahun di jalan mulai di Madrid kemudian Roma, diikuti oleh beberapa bulan di Timur Tengah dan Afrika, saya akhirnya mendarat di Kuala Lumpur pada tahun 2007. Keragaman budaya ditambah dengan kegembiraan intelektual berada di luar zona nyaman saya adalah sesuatu yang juga menciptakan banyak “cipratan kreativitas”. Ini membebaskan pikiran dari stereotip Anda sendiri dan memungkinkan Anda untuk memperluas cakrawala intelektual. Menemukan rasa, warna, filosofi, pola pikir, pemikiran, dan standar agama baru menciptakan lahan yang sangat subur untuk pertumbuhan dan pengungkapan ekspresi artistik.

Jadi seperti yang saya katakan, tidak ada “langkah pertama”, itu lebih seperti perjalanan spiritual, tumbuh dalam keheningan pikiran kita. Saya tidak memiliki pendidikan atau pelatihan seni formal. Sebaliknya, saya belajar ekonomi dan statistik. Seseorang dapat pergi ke sekolah untuk belajar seni tetapi pada akhirnya, seperti wirausahawan, latar belakang akademis bukanlah yang menentukan! Butuh waktu bertahun-tahun bagi saya untuk menyebut diri saya seorang seniman. Saya tidak ingin memproklamirkan diri seperti itu. Bagi saya, ini adalah gelar yang harus dimenangkan dan harus diberikan oleh orang lain sebagai pengakuan atas pekerjaan Anda. Hanya ketika orang mulai memanggil “seniman”, Anda tahu Anda salah satunya.

Koran usang, kertas arsip, dan warna gaya pop cerah berulang hadir di seluruh karya Anda. Apa yang membuat Anda mengasosiasikan media yang agak berlawanan ini?


– Portrait Series, Queen Elizabeth, 120×80 cm

Seperti yang saya sebutkan sebelumnya, proses kreatif itu bertahap dan oleh karena itu ia datang perlahan kepada saya sebagai proses pemikiran yang nyata. Saya mulai dengan kolase surat kabar sederhana dan kemudian mulai melukis elemen ikonik ke dalamnya untuk membuat dialog — paralelisme antara latar belakang dan ikon. Dengan cara ini, kami menyentuh maksud yang tepat dari pekerjaan saya, yaitu untuk membaca ganda dan memprovokasi refleksi kepada penonton tentang ikon-ikon yang terbentuk sebelumnya ini.

Karya seni saya memerlukan dua lapis bacaan: Pertama, Anda memiliki ikon pop yang sangat familiar, yang merupakan elemen visual langsung yang dapat dengan mudah diulang (prinsip Seni Pop(ular)). Lalu ada surat kabar dan dokumen arsip yang saya kerjakan yang mungkin berumur 150-200 tahun, jadi tujuannya adalah untuk menciptakan dialog antara elemen sejarah dan elemen yang lebih kontemporer. Ini tentang membawa modernitas ke kenangan lama atau sejarah ke modernitas. Saya mencoba memasukkan elemen “kembali ke masa depan” ke dalam karya seni saya dan membuat dialog antara dua periode waktu yang sangat berbeda, abad ke-21 dan abad ke-18 atau ke-19 dan ke-20.

Misalnya, ketika saya menggambar wajah Maharaja dengan warna pink Fluo di atas kertas India kuno dari abad ke-19, kontras antara dokumen kusam dan warna-warna cerah benar-benar seperti menjelajahi waktu. Selain itu, nilai dari karya-karya ini tidak hanya berasal dari seni yang sebenarnya tetapi juga dokumen sejarah yang merupakan bagian dari karya seni tersebut. Ini bisa berharga ribuan ketika saya mendapatkannya dari pelelangan atau kolektor barang antik tetapi seringkali hanya tertidur di beberapa perpustakaan sebelum saya menghidupkannya kembali menggunakan seni.

Melalui karya seni saya, saya bercita-cita untuk membuka mata orang terhadap sejarah dan mengingatkan mereka dari mana mereka berasal. Pertanyaan tentang asal-usul adalah pusat dalam karya saya. Ini sangat penting di abad ke-21 di mana kita memiliki produksi massal ikon seni Pop, seperti Muhammad Ali atau Marilyn Monroe. Tapi tidak ada yang tahu benar-benar cerita lengkap mereka, di luar nama atau fungsi. Sebaliknya, ketika saya mengerjakan potret Ali dengan 300 judul surat kabar di latar belakang, saya menghidupkan kembali semua elemen yang membangun ikon tersebut. Ketika orang melihat potret itu, semua orang mengenali Ali tetapi untuk benar-benar mengenalnya Anda harus menyelami bacaan latar belakang.

Bagaimana Anda memilih ikon dan kepribadian yang Anda gambarkan dalam karya seni Anda? Seperti apa proses kreatif Anda?


– Portrait Series, Lee Kuan Yew, 120 x 80 cm

Saya mulai dengan ikon politik karena saya terpesona dengan bagaimana tokoh-tokoh ini bisa menjadi terkenal. Selain diktator abad ke-20, saya berfokus pada kepribadian yang dikenal secara universal seperti Mandela, Ratu Elizabeth, Churchill, Kennedy, dan lainnya.

Sejalan dengan serial ini, saya juga menggambarkan Lee Kuan Yew sebagai penghormatan kepada Singapura, yang membantu membangun dan memperbaiki sejarah dunia seni negara, tetapi juga karena warisan Mr. Lee berada di luar pencapaian banyak pemimpin politik global di dunia di mata saya.

Begitulah awalnya dan kemudian saya secara bertahap beralih ke ikon yang lebih populer seperti The Beatles dan Muhammad Ali yang juga memiliki dampak sosial dan politik yang luar biasa.

Mengikuti budaya pop, dalam beberapa hal, telah menyimpangkan gaya artistik saya dari membaca ganda karena sekarang dipengaruhi oleh lebih banyak ikon komersial. Tapi bagaimanapun, seorang seniman tidak boleh melakukan hal yang sama berulang-ulang… Konsistensi penting seperti yang saya sebutkan sebelumnya, tetapi kolektor mengharapkan untuk melihat perkembangan, lintasan evolusi, dan kemampuan untuk terus berkembang. Kolektor tidak ingin membeli karya seni gaya “Mesin Cetak” lainnya, dan menjadi seorang seniman juga dapat menjelajahi wilayah baru, gaya dan teknik yang berbeda, memperluas batas kita sendiri.

Apa bagian paling menantang dalam membuat karya seni?

Proses mengumpulkan dan membangun arsip sejarah secara fisik menantang dan sangat memakan waktu, tetapi itu bukan bagian tersulit. Bagian paling menantang dalam menciptakan seni adalah kemampuan menilai diri sendiri dan bertanya, “Apakah karya seni saya layak untuk ditampilkan?”. Saya tidak pernah bertanya kepada teman atau keluarga saya, karena saya ingin menghindari rasa puas diri dan kepercayaan yang salah. Saya biasanya menyimpan karya seni untuk diri saya sendiri selama beberapa waktu sebelum merilisnya ke publik sehingga saya dapat merenungkannya sendiri di studio rumah saya dan meluangkan waktu untuk menilai apa yang saya buat.

Salah satu cerita favorit saya adalah The Little Prince. Dalam cerita, Pangeran melakukan perjalanan ke tujuh planet sebelum tiba di Bumi. Di planet pertama dia mendarat, dia disambut oleh satu-satunya penghuni, seorang Raja, yang menjadikannya Menteri Kehakiman. Pangeran menyatakan bahwa tidak ada orang lain untuk menghakimi di planetnya dan Raja meminta dia untuk menilai dirinya sendiri. Untuk ini, Pangeran menjawab, “itu adalah hal yang paling sulit dari semuanya. Jauh lebih sulit menilai diri sendiri daripada menilai orang lain. Jika Anda berhasil menilai diri sendiri dengan benar, maka Anda memang orang yang bijaksana.” Dan saya sangat setuju dengan itu.

Lebih realistis lagi, dua tantangan utama yang saya hadapi adalah keterbatasan waktu untuk menciptakan apa yang telah saya kumpulkan di buku catatan dan di atas kertas, dan kedua menilai karya seni saya yang mana yang pantas untuk ditampilkan dari tak terhitung banyaknya karya yang telah saya buat.

Emosi apa yang Anda harapkan dialami publik saat melihat karya seni Anda?

Itu pertanyaan terberat! Saya akan senang bisa merasakan emosi kolektor saya ketika mereka melihat karya seni saya. Sebagai seorang seniman, saya sudah tahu apa arti karya saya dan emosi apa yang diungkapkannya karena pada dasarnya merupakan ekspresi diri saya, mencerminkan persepsi tertentu tentang realitas saya.

Tetapi saya ingin merasakan apa yang sebenarnya mereka rasakan, apa yang menarik perhatian mereka, dan apa yang mengundang mereka untuk berhenti sejenak di depan karya dan bahkan untuk mendapatkannya. Dalam komunikasi selalu ada perbedaan antara apa yang ingin dikatakan dan apa yang didengar dan ditafsirkan orang lain. Saya merasa ini sama dengan seni.

“Tak ada yang menyentuh karya seni sesedikit kata-kata: mereka selalu setidaknya mengakibatkan kesalahpahaman yang menguntungkan. Segalanya tidak begitu nyata dan dapat disampaikan seperti yang biasanya orang-orang ingin kita percayai,” — Rainer Maria Rilke

Sebuah karya seni disebut baik jika muncul karena kebutuhan. Itulah satu-satunya cara seseorang dapat menilainya. Pada catatan ini, karya terbaru saya dari seri “Ketidaktaatan Oedipal” melibatkan penggunaan media campuran. Robot dalam seri ini dilukis dengan gaya pasca ekspresionis, yang lebih kompleks untuk dibaca dan lebih terbuka untuk interpretasi individu. Ini juga merupakan hasil dari pemikiran dan eksperimen teknis yang lebih matang dan pengaruh yang tak terhitung jumlahnya.

Saya tidak benar-benar percaya bahwa seniman harus memaksakan definisi mereka tentang apa yang orang rasakan atau pahami dari karya mereka. Jika seni Anda cukup bagus, itu akan berbicara kepada orang-orang, tetapi biarkan mereka menghargainya dan membentuk interpretasi mereka sendiri.

Anda telah memulai seri baru yang berfokus pada robot, beri tahu kami lebih banyak tentang usaha artistik baru ini?

Sebagai bagian dari upaya artistik saya, ini adalah perkembangan alami, mendorong batas-batas saya dan menantang diri saya sendiri dengan pendekatan gaya baru. Singkatnya, ini adalah perpaduan dari teknis saya dan pengaruh yang berbeda yang bertujuan untuk mempertanyakan tujuan dan lintasan kontemporer kita. Dalam banyak karya, saya menyertakan persamaan matematika dari Theory Chaos, yang terinspirasi oleh latar belakang ekonomi dan statistik saya. Kondisi fundamental teori membuat saya terpesona karena ini adalah awal dan akhir dari segalanya. Ini menggemakan pengaruh agama saya ketika saya memasukkan simbol Yunani seperti Alfa dan Omega, yang mewakili keabadian.

Robot-robot ini adalah undangan untuk merenung, dan refleksi diri seperti apa masa depan, dan bagaimana robot dapat menggantikan atau melengkapi umat manusia. Bentuk dan ukuran robot saya adalah versi remaster dari patung religius, seperti yang digunakan oleh suku Inca dan Voodoo. Robot saya bertindak sebagai patung religius abad ke-21 ini, totem baru Era Digital.

Apa peran seniman dalam masyarakat?

Saya tidak yakin bahwa seniman harus memiliki peran khusus dalam masyarakat; konsep yang sangat tetap dan terbatas. Maksud saya kerangka waktu terbatas yang dikondisikan oleh norma dan bias. Kondisi artistik sebelumnya merupakan kebutuhan yang berpusat pada diri sendiri untuk mengeksplorasi perasaan terdalam kita. Saya bukan orang yang memaksakan pikiran saya pada orang lain. Jika orang menemukan pesan yang sama dalam karya saya, itu bagus karena telah berkontribusi pada refleksi mereka sendiri. Tetapi seniman sendiri tidak memiliki peran khusus, karya mereka mungkin memiliki peran dengan berkontribusi di luar temporalitas seniman.

Saat membuat karya, saya hanya membawa hidup saya sendiri dan cahaya yang ingin saya lihat di dunia. Ini sedikit mirip dengan kutipan Gandhi, “jadilah perubahan yang ingin Anda lihat di dunia.” Saya membuat apa yang ingin saya lihat.

Padahal, seorang seniman seharusnya hanya memberikan pelarian, mimpi bagi orang lain untuk terjun dan merasa damai, terinspirasi, saat mereka menikmati karya seni. Sebagai poin terakhir, saya ingin membagikan salah satu moto saya dalam hidup: Siapa yang memicu insting kreatif saya dan kepada siapa saya tujukan? Jika itu bukan peran seniman universal, setidaknya itu adalah prinsip panduan saya …

Bagaimana Singapura menginspirasi Anda dalam kehidupan sehari-hari dan dalam evolusi pribadi Anda sebagai seorang seniman?

Perjalanan saya di Asia Tenggara dimulai 14 tahun yang lalu dan telah menjadi kurva pembelajaran yang tajam sejak saat itu. Saya bukan seorang “seniman” ketika saya mendarat di sini. Dan saya mungkin tidak akan pernah jika saya tetap tinggal di Eropa. Kesepian, jauh dari negara asal saya, telah menjadi pembuka mata dari sudut pandang budaya, agama, sejarah. Keragaman multikultural Singapura telah menjadi akselerator sejati, memicu percikan kreativitas dalam pikiran saya. Bahkan setelah 12 tahun, setiap hari di sini adalah kesempatan baru untuk penemuan dan pertanyaan. Baru-baru ini saya sangat menyukai pernyataan yang saya temukan di iklan publik di kereta: “Singapura tidak membosankan, Anda membosankan.” Saya benar-benar tidak mengerti mengapa orang menganggap Singapura membosankan. Ada begitu banyak rasa, warna, dan keragaman di sini! Ini adalah buih konstan yang menawarkan begitu banyak peluang. Beberapa orang memanfaatkan peluang untuk memulai bisnis dan start-up mereka sendiri, saya menggunakannya untuk menjadi seorang seniman.

Lima kata yang paling menggambarkan seni Anda?

Introspeksi, kebutuhan pribadi, teliti, kesepian, kombinasi.

Beri tahu kami tentang proyek dan sorotan utama Anda di tahun 2021?


– Portrait Series, Obama, 120 x 80 cm

Covid-19 memengaruhi banyak proyek saya baru-baru ini. Saya seharusnya mengadakan pameran seni di New York beberapa bulan yang lalu dan sebuah pameran di Paris pada bulan Maret. Melihat sisi positifnya, saya telah fokus untuk mematangkan gaya saya dan menciptakan karya-karya baru yang diterima dengan baik oleh kolektor dan publik.

Lompatan besar berikutnya adalah menuju seri robot saya. Saya merasa berada di awal perjalanan dengan sesuatu yang besar di akhir. Juga, saya saat ini sedang menyelesaikan residensi di Intercontinental Hotel di Bugis dan berencana untuk menghadiri Singapore Affordable Art Fair November mendatang (jika aturan pembatasan bepergian dicabut). Pada tahun 2022, kami merencanakan beberapa hal yang lebih besar di luar negeri terutama di AS, London, dan Paris, jadi nantikan terus!

Bagaimana cara pembaca LUXUO dan ART REPUBLIK membeli karya seni dari Anda?

Untuk karya terbaru, kunjungi Instagram saya atau situs web saya, lalu hubungi saya melalui WhatsApp atau email. Saya mengirimkan karya saya ke seluruh dunia, dari Singapura ke Rio de Janeiro dan Johannesburg ke London. Sangat penting bagi saya untuk memiliki hubungan pribadi dengan setiap kolektor, bahkan secara singkat; untuk mengobrol dan menasihati mereka tentang bagian yang berbeda, cerita dan proses berpikir mereka. Membeli sebuah karya seni, sebelum semua membeli bagian dari cerita seniman dan proses berpikir. Hal ini juga memungkinkan kolektor saya untuk menjadi pemicu kreatif saya, kadang-kadang menghidupkan karya-karya baru, sebagai upaya kolaborasi.

Jika Anda menyebutkan satu mentor yang telah menginspirasi Anda dalam hidup dan jalan Anda sebagai seorang seniman, siapakah dia?

Saya tidak punya hanya satu! Ada banyak orang yang memberi saya nasihat fantastis sepanjang perjalanan saya atau mendukung saya, dari ibu hingga istri saya, tetapi juga banyak teman atau bahkan orang yang tidak dikenal. Masa kecil saya serta pengalaman hidup saya, telah menjadi sumber inspirasi yang signifikan, membuat seni saya hampir menjadi bentuk psikoterapi.

Jika dipersempit, mungkin satu mentor yang akan saya soroti adalah Michael Brimm, seorang guru INSEAD selama MBA saya, yang memberi saya kata-kata yang saya gunakan sebelumnya tentang “pemicu kreatif”, menasihati kita untuk mengidentifikasi siapa yang menjadi pemicu atau pengganggu kreatif ini dalam hidup kita. Ini telah menjadi prinsip panduan saya sejak itu.

Untuk mengikuti karya-karya Gabriel Dufourcq, kunjungi situs webnya  atau Anda juga dapat mengikuti Instagram-nya di sini: @gabrielsg_art. 

Disadur dari tulisan Joseph Low, “Artist Gabriel Dufourcq: More Than Meets the Eye”.

Lukisan Justian Jafin Adalah Cermin Masyarakat yang Mendorong Perubahan

 

“Poetic Society”, 130x180cm, Acrylic, Decorfin Relief Paint on Linen, 2016-2018.

 

Masalah yang mengganggu masyarakat memiliki banyak lapisan jika dilihat melalui lensa yang berbeda dari pengalaman pribadi masing-masing individu. Karya-karya seniman Indonesia Justian Jafin merupakan emulasi visual dari perspektif multidimensi yang berusaha mengungkit isu-isu kemasyarakatan melalui tumpang tindih unsur-unsurnya dengan cara yang hampir mirip kolase. Dengan setiap subjek mengintip dari bawah yang dominan di atas, kita terpaksa menyaring kekacauan dan mengidentifikasi apa yang paling penting dalam setiap konflik.

Lukisan Justian Jafin Adalah Cermin Masyarakat yang Mendorong Perubahan

“Society of spectacle in the gold landscape”, Acrylic and decorfin relief paint on Canvas, 600x300cm, 2015-2016. Exhibition Manifesto 6.0 Multipolar at National Gallery of Indonesia 2018

Seperti apa seni bagi Anda di tahun-tahun awal berkarya?

Saya lahir dari orang tua seniman pada tahun 1987, jadi saya segera terlempar ke ujung kolam pepatah itu. Dari menghadiri pembukaan pameran hingga berdiskusi secara rutin dengan orang tua dan teman-teman mereka, saya dengan cepat mengenal cara-cara artistik sejak usia dini. Ini menjadi fondasi saya yang meluluskan saya melalui sekolah menengah atas di SMSR Surabaya dan kemudian, pendidikan saya di Institut Seni Indonesia Yogyakarta. Sejak saya kuliah, kedalaman pemikiran saya meningkat sebanding dengan kesadaran dan pemahaman saya tentang seni. Seniman mungkin saja memproduksi materi yang nyata untuk dijual di pasar terbuka, namun saya adalah orang yang percaya pada nilai seni untuk melampaui fisiknya dan kontribusinya sebagai wacana untuk meredakan konflik. Saya berani mengatakan bahwa saya sangat siap untuk menjadi seniman profesional seperti sekarang ini.

 

 

Apa pemikiran dan ide yang masuk ke dalam karya seni Anda?

Konsep dalam karya saya sebagian besar didasarkan pada pengalaman empiris saya atau komunitas di sekitar saya. Saya menggunakan seni sebagai media untuk mengatasi masalah umum dalam masyarakat dan memperluasnya sebagai dorongan bagi penikmat karya saya untuk mengembangkan resolusi potensial untuk masalah ini. Meskipun mungkin dihormati karena keindahan dan kemampuannya dalam menghadirkan kegembiraan dan hiburan kepada massa, saya melihat melampaui kedangkalan yang fana ini dan prospeknya sebagai wadah pendidikan dan penyebaran informasi.

Sementara estetika visual mungkin mengambil bagian belakang dari konsep-konsep dalam karya saya, saya selalu menjaga keduanya saling terkait satu sama lain, di mana gaya yang saya putuskan melengkapi ide yang saya munculkan dalam sebuah karya. Sejauh ini, gaya lukisan saya melibatkan pembuatan lapisan yang tumpang tindih yang menutupi dan menyingkap keragaman subjek dalam karya, menghasilkan komposisi yang menyerupai kolase. Dengan cara ini, publik perlu mengamati dengan saksama saat sebuah cerita terungkap di depan mata mereka, mengarahkan fokus mereka pada peran mereka dalam berkontribusi pada masyarakat dan semoga memberdayakan mereka untuk membawa perubahan.

 

 

Selain masalah sosial, bagaimana Anda memposisikan seni Anda untuk mendorong industri seni Indonesia semakin menjadi sorotan?

Seni dan tindakan berkreasi selalu menjadi bagian dari budaya Indonesia. Ketika kita memikirkan seni Indonesia, nama-nama besar seperti Raden Saleh dan Affandi muncul di pikiran, dan tempat-tempat seperti Ubud atau Batuan bahkan memiliki gaya seni yang dinamai menurut namanya. Orang-orang dari semua lapisan masyarakat dan dari jauh dan luas berkumpul di Indonesia untuk menikmati iklim artistik yang kaya, jadi kita tentu akan melihat fenomena “Boom” di mana akan ada peningkatan permintaan seni dari daerah tersebut setiap 7 hingga 10 tahun. Indonesia mengalami “Boom” ini pada tahun 2008, dan sejak itu, permintaan akan seni menurun secara perlahan di tahun-tahun setelahnya. Menurut saya, pasar seni lokal seharusnya tidak terlalu bergantung pada periode puncak ini untuk mendorong lebih banyak karya ke ruang publik. Sebaliknya, saya bermaksud menggunakan karya seni saya untuk membawa publik ke ruang kreatif untuk menunjukkan kepada mereka bahwa seni, pada kenyataannya, sepenuhnya terkait dengan cara hidup setiap orang, dan bahwa tidak boleh ada batasan di antara keduanya. Perpaduan seni dan masyarakat merupakan aspek penting untuk saling memperkuat peran keduanya. Inilah mengapa saya memilih untuk menggunakan lukisan saya untuk mengangkat topik sosial dan politik yang sulit tersingkap.

 

Apa rencana mendatang di pameran seni Anda?

Saat ini saya menggelar pameran tunggal pertama saya dengan CG Art Space dan karya saya dipamerkan di Art Jakarta pada Desember 2020. Di tahun berikutnya juga akan ada presentasi kedua di galeri yang sama, dimana penonton yang hadir akan didorong untuk menginterpretasikan dan merespon karya yang dipamerkan.

Saksikan sekilas karya seni Justian Jafin yang bermuatan sosial melalui Instagram-nya (@justianjafinw).

Info kontak:

Justian Jafin dapat dihubungi melalui Instagram dan [email protected]

CG Art Space Gallery yang menampilkan karya Justian Jafin dapat dihubungi melalui Instagram atau [email protected].

Artikel ini bersumber dari: “Justian Jafin’s Paintings Are Mirrors of Society Promoting Change”.

15 Seniman Muda Inovatif Indonesia di 2021

Terletak di benua sebelah timur dan dikenal sebagai Tempat Lahirnya Seni, Indonesia adalah negara kepulauan dengan 17.000 hingga 18.000 pulau yang berjajar di garis khatulistiwa di Asia Tenggara. Dari abstrak yang hidup dan energik hingga lukisan fotorealistik yang sangat canggih dan terperinci, terdapat bentuk seni yang menampilkan keunikan setiap individu yang muncul dari beragam jenis seniman. Mengutip Art Republik, berikut 15 seniman Indonesia yang inovatif di tahun 2021.

 

I Nyoman Masriadi

Melebih-lebihkan adalah kata yang bisa jadi cocok melekat pada lukisan seniman berusia 37 tahun yang tinggal di Yogyakarta ini. Didominasi dengan lukisan yang memuat fitur tubuh membulat, sosok yang ditampilkan Masriadi sering kali merupakan turunan dari video game dan komik. Melalui deformasi subjeknya, ia mengkalibrasi ulang persepsi sosok manusia dan mewujudkannya sebagai gaya ikoniknya. Lukisannya, The Man From Bantul (The Final Round), terjual dengan harga US$296.800 (atau sekitar Rp4,1 miliar), memecahkan rekor seni kontemporer Asia Tenggara.

Jelajahi karya seninya di: https://inyomanmasriadi.com/ 

 

Lugas Syllabus

Surealistis dalam gaya Dali-esque, lukisan dan pahatan Lugas langsung menarik perhatian publik begitu mata tertuju pada karyanya. Referensi budaya pop dan cerita rakyat mencuat dari berbagai bagian lukisannya, mendorong penikmat karyanya untuk menarik kesejajaran dan menghidupkan kembali kenangan dan pengalaman masa lalu. Intinya, karya Lugas membahas ironi dan kontradiksi dalam masyarakat modern, sehingga membuka kembali percakapan yang menarik untuk dibahas.

Jelajahi karya seninya via instagram: @lugassyllabus

 

Soni Irawan

Multi talenta dan kemampuan yang berlapis seperti karya seni yang dihasilkannya, pendiri band eksperimental Jogjakarta Seek Six Sick ini berhasil menggabungkan semangat dan energi musiknya ke dalam lukisan. Dengan menjadikan musik noise rock sebagai landasan karya seninya, musisi sekaligus pelukis ini menganut chaos sebagai inti dari hasil kreatifnya. Kesempatan jam session yang dilakukan Soni sering melibatkannya untuk mengisi celah-celah dalam suara yang ada dari rekan bandnya dengan miliknya sendiri, dan dia juga meniru pendekatan ini dalam lukisannya, membuat karyanya menjadi komposisi visual musik rock.

Jelajahi karya seninya di: @soni_irawan_soni

 

Dedy Sufriadi

Seni rupa pasca-Suharto di Indonesia sering hadir dengan pendekatan realisme, dan terlalu berlebihan sehingga Dedy Sufriadi perlu mencari jalan keluar untuk melukiskan minat akademisnya pada Eksistensialisme. Di atas warna-warna kuat yang diaplikasikan pada kanvas yang cukup besar sering kali terdapat coretan teks atau citra yang menggugah karakteristik gaya Ekspresionisme, dan dalam gaya inilah Dedy memilih untuk menunjukkan kekuatan dari pendekatan artistiknya. Melalui ini, ia mempertanyakan dan menampilkan kembali gagasan hidup di tengah absurditas menjalaninya.

Jelajahi karya seninya di: @dedysufriadi

 

Justian Jafin

Seperti kolase tetapi bukan, karya Justian Jafin yang berusia 34 tahun diikuti dengan komentar tentang masalah sosial saat ini. Berkarya dengan akrilik, gaya lukisannya melibatkan pembuatan lapisan yang tumpang tindih, menutupi dan mengungkap variasi subjek dalam karya tersebut. Dengan cara ini, publik mengamati dengan seksama saat sebuah cerita terungkap di depan mata mereka, mengarahkan fokus pada peran mereka dalam hal berkontribusi kepada masyarakat dan semoga memberdayakan mereka untuk membawa perubahan.

Jelajahi karya seninya di: @justianjafinw

 

Naufal Abshar

Tertawa adalah produk sampingan langsung dari rasa bahagia, tetapi Naufal berusaha untuk membedah lapisan dari tindakan tersebut dalam karyanya. Terkait langsung dengan kesehariannya, Naufal menarik perhatian pada hal-hal yang biasa dan menyita perhatiannya. Ketertarikannya mempertanyakan kondisi manusia semakin menambah kedalaman aspek konseptual pada karya seninya, yang melengkapi dan kontras dengan imaji-imaji aneh dalam karya-karyanya.

Jelajahi karya seninya di: @naufalabshar

 

Anton Afganial

Sangat bersemangat dan mengusung kekacauan yang terkendali, lukisan Anton adalah kumpulan bentrokan yang menguraikan latar belakangnya sebagai orang Madura di mana warna-warna berani dan mencolok sangat dirayakan oleh rakyatnya. Mungkin nuansanya menunjuk pada karya-karya lukisan batik, tetapi Anton mengungkapkan bahwa hal itu sebagian besar dikaitkan dengan penggunaan garis-garis yang ditetapkan untuk menekankan bentuk dan wujudnya dalam lukisan. Seringkali tergerak oleh situasi seperti konflik manusia, cinta, keseimbangan, dan identitas budaya, Anton ingin proses artistiknya intuitif sekaligus spontan. Semua lukisannya adalah perwujudan energi, antusiasme, emosi, kontradiksi, dan keingintahuan.

Jelajahi karya seninya di: @afganial_

 

Agus Saputra

Karya seni gaya Batuan klasik yang berasal dari Bali Selatan seringkali padat, dinamis, dan detail proyeksi adegan atau tema kehidupan sehari-hari. Agus mengadopsi fitur ini dalam membawakan gaya zaman modernnya untuk menafsirkan kembali tradisi melalui sudut pandangnya sendiri. Lanskap kompak dari elemen-elemen yang sesuai dan berinteraksi satu sama lain menciptakan perpaduan narasi yang terungkap dengan cara berbeda untuk setiap penikmat yang berdiri di depan karya seninya, yang pada akhirnya membuat proses bercerita menjadi unik bagi setiap individu.

Jelajahi karya seninya di: @im.agusaputra

 

Iwan Suastika

Di mata Iwan Suastika, konsepnya sederhana: Akulah alam semesta, Engkau adalah alam semesta, dan Kita adalah alam semesta. Narasi visual Iwan adalah adegan surealistik dari binatang humanoid dan referensi budaya pop yang sangat dijiwai dengan simbol dan metafora. Setiap karya menghasilkan percakapan antara seniman dan karyanya, yang kemudian disampaikan kepada publik sebagai pesan samar untuk diuraikan. Mungkin inilah alasan mengapa Iwan menonjol sebagai ahli enigmatologi artistik yang tidak pernah berhenti pada penciptaan teka-teki visual dan kecakapan mendongengnya.

Jelajahi karya seninya di: @iwansuastika

 

Dodit Artawan

Percakapan sering kali terjadi seperti ini; “Tidak, itu bukan foto!”, “Ya, itu kan dicat!” Perlu waktu lebih banyak dan sering saat melihat ke arah karya seni Dodit. Digambarkan secara hiperrealistis, Boneka Barbie berbalut bikini dan botol alkohol Dodit adalah kritik langsung terhadap masalah kapitalisme konsumen yang berkembang di pulau Bali tempat dia tinggal. Kurangnya kontrol terhadap konsumsi alkohol menjadi pertanyaan etika ketika remaja di bawah umur memiliki akses untuk membeli alkohol di toko-toko. Melalui karya seninya, Dodit mengangkat masalah yang dihadapi penduduk setempat selama beberapa dekade hingga sekarang.

Jelajahi karya seninya di: @doditartawan

 

Nana Tedja

Salah satu seniman yang paling cenderung organik adalah Nana Tedja, salah satu seniman perempuan terkemuka di Indonesia yang tidak takut mengekspresikan dirinya dalam kancah seni yang didominasi laki-laki. Berani, ekspresif, dan liar, pendekatan artistik Nana mendobrak batas antara dirinya dan seni. Bersikap jujur pada dirinya sendiri dalam segala hal, dia selalu menginginkan karya seninya menjadi cerminan langsung dari karakter dan kepribadiannya. Ekspresionisme abstrak mungkin gaya yang dia pilih, tetapi Nana dengan meyakinkan menyatakan bahwa satu-satunya alasan metode melukisnya hanya berdasarkan preferensi dan suasana hatinya, dan tidak lebih.

Jelajahi karya seninya di: @nana_tedja

 

Kencut

Putu Adi Suanjaya, atau dengan sebutan Kencut, memunculkan karakter boneka ikoniknya lengkap dengan mata kancing yang melotot. Mata manusia sering dikenal sebagai jendela jiwa, karena dengan mudah membocorkan informasi, baik sengaja atau tidak, tentang orang dan keadaan emosionalnya. Dalam karyanya, dia memilih untuk menghilangkan jendela tersebut dan menggantinya dengan tombol biasa-biasa saja. Namun, kurangnya indikasi tentang emosi makhluk juga tidak meninggalkan jejak pada kebohongan yang berpotensi mereka tanggung, dan dalam ketidaktahuan tentang semua hal yang tidak baik inilah ia menciptakan kantong optimisme untuk didiamkan oleh pendengarnya; tempat tanpa kebohongan memang tempat yang membahagiakan. Lukisannya berfungsi sebagai pengingat bahwa kehidupan harus dinavigasi secara positif seperti seorang anak yang tidak mengenal dosa.

Jelajahi karya seninya di: @suanjaya_kencut

 

Aurora Santika

Karya Aurora, dengan warna datar dan garis tebal, dimulai sebagai hobi, lalu muncul mencuri perhatian, dan kemudian menjadi karya ajakan untuk berdiskusi. Dia menggunakan seni sebagai wadah untuk menyampaikan ide-ide yang akan mempengaruhi tindakan dari orang-orang saat dia menyelidiki dan menyodok isu-isu dalam dinamika sosial-ekonomi di masyarakat. Topik-topik ini umumnya sulit untuk diangkat tanpa menambahkan bahan pematik pembahasan, tetapi Aurora percaya bahwa seni, apa pun medianya, adalah instrumen yang sempurna untuk memulai percakapan tentang subjek, terutama tentang kemanusiaan secara keseluruhan. Sebagian besar masalah yang dibahas dalam seni Aurora terinspirasi oleh interaksi kehidupan nyata dengan orang-orang yang bertindak sebagai pelaku dalam masalah tersebut, menjadi korbannya, atau berjuang sekuat tenaga untuk menghilangkannya.

Jelajahi karya seninya di: @aurora_santika

 

Petek Sutrisno

Menjadi bagian dari generasi seniman muda yang karyanya sangat dipengaruhi oleh komik, kartun, ilustrasi, dan budaya pop, Petek Sutrisno sengaja memasukkan kehidupan sehari-harinya ke dalam setiap karya untuk menggambarkan pesan yang dimaksudkan dan relevan yang dapat diterima oleh audiensnya dengan mudah. Sebagian besar karyanya adalah terjemahan visual dari pengalaman masa kecilnya dan masalah politik saat ini. Bunga adalah pemandangan umum dalam lukisan Petek, dan ia menjelaskan bahwa bunga-bunga itu berkaitan dengan unsur cinta, keindahan, dan kedamaian, yang secara religius ia gabungkan ke dalam semua karya seninya. Dalam kaitannya dengan hal yang terjadi saat ini, unsur alam menjadi bahan pokok dalam karyanya sebagai pengingat bahwa permasalahan lingkungan masih belum terselesaikan dan menjadi kewajiban setiap orang untuk melestarikan dan tidak semakin merusak alam dan lingkungan.

Jelajahi karya seninya di: @peteksutrisno

 

Bahaudin

Dalam budaya tertentu, Bahaudin berarti “Keyakinan Agung”. Sebagai seorang pemuda dengan nama yang kuat dan keterampilan yang sama kuatnya, karakter Bahaudin yang mencolok adalah pembawa perdamaian dan cinta. Karakter anak kecil dengan superhero yang lucu dan kartun sering menjadi episentrum karyanya saat ia mengadvokasi penyelesaian anti-konflik dunia di sekitarnya untuk menuju perdamaian dunia. Dalam pertanyaan yang diajukannya, “Bukankah orang sudah bosan dengan ketidaksetujuan dan menumpahkan darah mereka di bumi yang kita cintai ini?”, ia menyodorkan sesuatu yang patut jadi perhatian.

Jelajahi karya seninya di: @bahaudin__

Artikel ini bersumber dari: “15 Trailblazing Indonesian Artists in 2021”

takeshi hara

Takashi Hara Mematahkan Tradisi

Takeshi Hara

– foto oleh Charly Ho.

Saat kami melihat sekilas mahakarya Takashi Hara, kami sama sekali tidak berfikir akan Kaligrafi Jepang tradisional, atau Shodo, yang bisa diterjemahkan sebagai salah satu “cara menulis”. Bagaimanapun, karya tersebut tampak serupa seni klasik yang dibuat seniman Jepang berusia 37 tahun yang tampil baik dari esensi maupun eksekusinya, memberi apresiasi lebih pada proses bercerita daripada hasil.

 

– Around the World, (2020) 200x300cm, Acrylic and charcoal on canvas.

Seperti apa langkah pertama Anda ketika terjun ke industri seni?

Saat berusia 6 tahun, saya sudah yakin bahwa saya akan menjadi seorang seniman di masa depan dan memberi tahu orang tua saya tentang keputusan saya tersebut- mereka sangat kecewa karena saya terus-menerus membuat marah ibu saya dengan mencoret-coret permukaan apa pun yang ada, termasuk di halaman setiap buku yang saya pegang. Satu tahun kemudian pada usia 7 tahun, saya mulai belajar kaligrafi, yang menjadi dasar dari perjalanan artistik saya di masa mendatang. Dua tahun usai sekolah menengah, saya berada di bawah asuhan kaligrafer terkemuka Koshin Soeda. Tidak puas dengan mengasah keterampilan saya dalam satu bentuk seni, saya melanjutkan pendidikan di bidang seni, sehingga memperoleh gelar B.F.A. dalam Seni Rupa (lukisan dan keramik) dari University of Regina di Kanada dan M.F.A. di jurusan keramik dari Arizona State University di Amerika Serikat.

– Beautiful Scar, (2020) 115x140cm, Acrylic and charcoal on canvas.

Kaligrafi tradisional merupakan bentuk awal seni yang diajarkan kepada Anda, tapi elemen visual dari karya Anda justru tidak mencerminkan hal itu; Jadi, bagaimana arah artistik dari gaya lukisan Anda?

Saya tidak akan mengatakan lebih jauh bahwa karya saya tidak sesuai dengan pengetahuan yang saya peroleh di Shodo. Meskipun karya saya tidak terlihat kaligrafi, mereka masih merupakan penyaturan dari gaya, sapuan kuas, perpaduan tekstur yang disengaja dan tidak disengaja, dan yang terpenting, teks. Seniman seperti CY Twombly, Robert Rauschenberg, dan Willem de Kooning adalah referensi saya dalam hal mengadopsi gaya ekspresionisme saya, dan lukisan bidang warna Mark Rothko adalah inspirasi untuk aplikasi warna saya. Sejak saya memutuskan untuk keluar dari tabiat saya dalam seni, warna adalah yang membedakan gaya saya dari Shodo, masa kini dari masa lalu. Beberapa karya saya disajikan dengan warna dan sapuan kuas sebagai subjek itu sendiri, bukan bentuk figuratif. Saya sangat menyukai warna cerah yang dapat muncul dalam karya saya. Juga, tugas saya di banyak negara telah mengajari saya bahwa tetap berada dalam premis satu gaya seni tidak akan membawa saya lebih jauh dalam karir, jadi saya mulai mengeksplorasi cara dan media lain, seperti kuas cat yang ditinggalkan dan mengoleskan pigmen dari jari-jari saya, untuk menjaga agar bentuk seni saya tetap eklektik dan relevan dengan lanskap masyarakat yang selalu berubah saat ini. Saya akan mengatakan bahwa gaya saya ditempa dan bergerak seperti yang oleh orang Prancis disebut sebagai “Seni Punk dan Zen”.

– Social Survivor, (2020) 29x21cm, Acrylic and ink on kozo paper.

Boleh tahu ide di balik karya seni Anda?

Shodo bangga akan fokusnya pada introspeksi hubungan pikiran-tubuh di setiap individu; sementara pendekatan saya dalam seni kurang lebih sama dengan memberi perhatian pada apa yang ada di luar diri dan diperluas ke konstruksi sosial dalam hubungan yang lebih personal-sosial. Di Jepang tempat saya tinggal saat ini, komunitas di sini berfungsi sangat baik dengan mentalitas kawanan. Sebagai seniman yang pernah tinggal dan bersekolah di luar negeri, saya sekarang menghadapi tingkat pengucilan tertentu oleh komunitas kreatif karena saya bukan bagian dari kelompok alumni universitas lokal maupun klan seni. Meski tampak merugikan bagi saya, saya memutuskan untuk menggunakannya sebagai kerangka kerja seni saya dan menjelaskan masalah yang melanda masyarakat. Di atas semua itu, seniman di Jepang tidak seterkenal orang-orang seperti selebriti yang muncul di televisi – seniman kontemporer terlalu tabah jika dibanding-bandingkan. Karena itu, saya mulai merangkul identitas saya sebagai non-konformis yang eksklusif atas hak saya sendiri. Saya mengadopsi berbagai citra sebagai alegori untuk masalah ini dengan cara yang sama ketika Aesop menggunakan hewan dalam fabelnya untuk mencakup tema agama, sosial, dan politik. Seperti pepatah Jepang yang mengatakan, “Paku yang menonjol akan dipalu,” dan saya bertujuan untuk menjadi paku yang membuat penyok di palu.

– Raging Ladybugs, (2020) 140x162cm, Acrylic and charcoal on canvas.

Apa pencapaian pribadi yang telah Anda raih, dan apa langkah selanjutnya dalam karier kreatif Anda?

Sejak 2004, saya menganggap diri saya sebagai seniman internasional yang karyanya sebagian besar dipamerkan di Kanada dan Amerika Serikat dengan lebih banyak pameran tunggal di beberapa bagian Asia dan Eropa. Karena kehadiran di ajang internasional tersebut, saya berhasil mendapatkan beberapa kolektor dan bekerja sama dengan galeri seperti Galeri Seni A2Z. Saya harus mengatakan bahwa prestasi saya sebagai seniman harus dikreditkan kepada seniman keramik Kanada yang terkenal, Victor Cicansky. Ketika saya berada di Kanada, saya menjadi murid terakhir dan asistennya selama dua setengah tahun, yang mana saya mendapat banyak manfaat melalui bimbingannya tentang praktik artistik profesional.

 

Saya memiliki beberapa pameran yang direncanakan untuk tahun depan, termasuk pameran tunggal saya berikutnya yang dijadwalkan diadakan di Paris, tetapi semua akan tergantung pada status pandemi ini. Salah satu tema saya yang lebih umum yang sedang saya kerjakan adalah simbolisme babi sebagai elemen penting dalam komentar saya tentang masyarakat manipulatif. Saya akan mengembangkan dan mengeksplorasi ide ini dalam karya saya untuk pameran saya yang akan datang.

 

– Around the World, (2020) 200x300cm, Acrylic and charcoal on canvas.

Bagi mereka yang ingin menjelajahi dongeng Takashi Hara yang menakjubkan, kunjungi https://www.takashihara.com/index.html atau halaman Instagram-nya, @art_x_tak.

wahyu adi santoso

Wahyu Adi Santoso Jelajahi Semesta Introspektif Yang Ada Di Dalam Diri Kita Semua

wahyu adi santoso

– Ledakan Mega Antariksa (Bigbang Theory) – 130cm x 110cm x 3cm – oil, acrylic, iron paint, spray, pastel, decorfin, mixed media di atas kanvas – 2019

Seniman Indonesia berusia 22 tahun, Wahyu Adi Santoso, menyadari bahwa kita hanyalah setitik di alam semesta, namun karya ciptaannya menjadi pengingat bahwa setiap titik mampu memunculkan alam semesta, sama luasnya, dari dalam.

Wahyu Adi Santoso Menjelajahi Semesta Introspektif Yang Ada Di Dalam Diri Kita Semua

wahyu adi santoso

– It Ego Superego #2 – 140cm x 100cm x 3cm – oil, acrylic, iron paint, spray, pastel, decorfin, mixed media di atas kanvas – 2020

Lahir di Malang, Jawa Timur, Wahyu sekarang tinggal di Yogyakarta, yang juga dikenal sebagai ibu kota seni Indonesia di mana ia menjalani pendidikan seni di Institut Seni Indonesia Yogyakarta (ISI Yogyakarta) dan menjadi anggota kolektif seni U Need Studio.

Seniman Indonesia di masa lampau yang mempromosikan ekspresionisme abstrak sering kali memiliki sentuhan politik dalam seni mereka, dengan coretan berani dan warna-warna cerah yang menghilangkan representasi formatif yang sangat bergantung pada realisme. Sementara, Wahyu dengan tegas menjelaskan bahwa seninya, tidak seperti pendahulunya, sama sekali bukan saluran implikasi politik apa pun, melainkan lebih bersifat pribadi, dan spiritual pada saat itu.

wahyu adi santoso

– Guardian of the Galaxy – 200cm x 150cm x 5cm – acrylic, iron paint, spray, pastel, decorfin, mixed media di atas kanvas – 2020

Dipengaruhi di usia muda oleh nama-nama populer seperti Picasso dan Joan Miró, bersama dengan seniman lokal ternama seperti Heri Dono dan Nasirun, wajar saja jika Wahyu menyimpang dari konstruksi bentuk dan figur ke arah gaya ekspresionisme abstrak. Meski begitu, ia berusaha meningkatkan pertaruhannya dalam karya dengan menyuntikkan apa yang paling ia rasakan – tekstur, lewat pahatan relief yang dibangun di atas kanvas mirip dengan yang ditemukan di dalam kuil Buddha kuno.

“Tekstur ini memunculkan semangat muda dalam diri saya,” ujarnya.

Konseptualisasi Wahyu mendorongnya untuk mengosongkan pikiran dan menatap ke dalam kehampaan. Dia mengaitkan ini dengan mengintip ke bentangan luas langit malam, hanya untuk menangkap kilatan cahaya bintang. Fase eksplorasi ini secara bertahap berkembang menjadi supernova warna dan tekstur cerah yang dibangun Santoso di atas kanvas. Dengan cara ini, setiap karya dianggap olehnya sebagai reka ulang alam semesta mini yang muncul melalui keadaan meditatifnya yang menatap ke dalam ketiadaan dan, setelah itu, menghasilkan momen “ledakan besar”.

wahyu adi santoso

-Highlight Star – 200 cm x 160 cm x 6 cm – oil, acrylic, iron paint, spray, pastel, decorfin, mixed media di atas kanvas – 2020

‘Highlight Star’, salah satu karya Santoso, adalah aransemen warna putih di atas perpaduan warna biru dan hijau. Baginya, pengetahuan tentang alam semesta harus tetap seimbang dengan pengetahuan tentang diri, dan di antaranya terletak konsep spiritualitas. Dia mencatat bahwa bintang katai putih, yang seharusnya diberi tanda putih pada bagian tersebut, adalah yang paling terang dan terpanas setelah menghabiskan semua bahan bakar- bahkan lebih dari matahari. Dan media apa yang lebih baik untuk mempertahankan gairah membara dari bintang yang sekarat selain aura kehidupan yang direpresentasikan oleh warna biru dan hijau? Dengan cara yang hampir bersiklus, Wahyu menjelaskan lebih lanjut bahwa benda-benda langit yang cemerlang ini berpotensi menjadi cahaya penuntun bagi roh, atau “Roh Kehidupan” sesuai kata-kata sang seniman, karena setiap elemen mengalir, dan melalui satu sama lain di alam semesta kreasi Wahyu.

Render of 3D contemporary Living Room Interior and modern furniture

– Multiverse Dimension – 120 cm x 180 cm x 6 cm – oil, acrylic, iron paint, spray, pastel, decorfin, mixed media di atas kanvas – 2020

Tampak jelas bahwa Wahyu memiliki kemampuan untuk menuangkan persepsi para penikmat karyanya terhadap alam luar kesadaran spasial. Namun dengan cara yang sama, menarik mereka ke dalam diri mereka sendiri sambil menantang individu untuk mempertimbangkan kembali pemahaman dan kesadaran mereka sendiri secara introspektif. Mungkin kedalaman persepsi Santoso yang membuatnya berada di jalur seniman era baru Indonesia, dan bahkan mungkin melampaui para idolanya saat ia mengarahkan pandangan ke galaksi-galaksi di sekitarnya.

wahyu adi santoso

Ikuti Wahyu Adi Santoso via Instagram-nya (@wa_santoso) untuk mengetahui lebih banyak tentang karyanya.

LouiseM

LouiseM Membuat Karya Seni Yang Sangat Personal, Mengungkap Jiwa

LouiseM

Bayangkan sebuah karya seni yang dengan mudah dapat mewujudkan aspek paling intim dari keberadaan Anda. Sekarang bayangkan memiliki bagian untuk dimainkan dalam penciptaannya. LouiseM, adalah seniman Prancis yang tinggal di Singapura, yang terkenal karena kemampuannya yang berbeda untuk menciptakan karya seni pribadi yang mewakili siapa saja, termasuk Anda. Karyanya yang berfokus pada menyusun garis waktu momen-momen khusus, didasarkan pada dialog yang intim dan mendengarkan – memungkinkan LouiseM memiliki pemahaman mendalam yang diperlukan untuk menciptakan seni yang berbicara kepada jiwa.

LouiseM Menciptakan Seni Yang Begitu Personal, Mengungkap Jiwa

LouiseM

Anda lahir di Prancis, Anda memulai sebagai seniman-pengusaha di Paris, apa yang membawa Anda ke Singapura?

Kami menginginkan petualangan keluarga baru! Setelah tinggal di AS, kami kembali ke Prancis; Ini adalah saat LouiseM lahir lebih dari 10 tahun yang lalu. Singapura muncul sebagai peluang bagi kami tahun lalu; jadi kami mengambil kesempatan untuk tinggal di negara bagian pulau ekuatorial yang fantastis ini. Bepergian selalu memberi makan jiwa saya, bahkan sebagai anak muda, saya memiliki kesempatan untuk berkeliling dunia selama kurang lebih tiga tahun.

LouiseM

Anda menyebutkan beberapa kali dalam diskusi, bahwa Anda menyesuaikan karya seni Anda dengan orang-orang, dan bukan sebaliknya. Ceritakan lebih banyak tentang konsep “Seni yang Dipersonalisasi” ini?

Dipersonalisasi dalam arti bahwa saya benar-benar menghapus diri saya sendiri dan mundur ke belakang dan lebih pada keinginan klien. Saya mendengarkan cerita mereka, potongan kehidupan yang ingin mereka tonjolkan dan mengubahnya menjadi gambar. Pendekatan saya adalah untuk memastikan klien saya senang – yang pada gilirannya membawa banyak kepuasan bagi saya. Saat merencanakan sebuah karya dengan klien, kami bertukar banyak ide dan cerita. Itu sangat memotivasi! Akhirnya, inspirasi saya datang dari mereka…

LouiseM

Anda sepertinya sangat menyukai Pop Art. Seniman pop mana saja yang telah memengaruhi pandangan Anda tentang seni?

Saya memang menyukai Pop Art, tetapi sebagai catatan, semuanya dimulai di Dallas beberapa tahun yang lalu, tempat saya tinggal saat itu. Saya dan keluarga ingin memanjakan diri dengan lukisan Pop Art, tetapi kami tidak dapat menemukan gaya yang kami sukai di galeri. Karena selalu melukis, saya berkata pada diri sendiri, “Saya akan melakukannya”! Kemudian teman-teman saya juga menginginkannya – begitulah semuanya dimulai! Gaya Pop Art sangat cocok untuk bercerita; karena penuh warna dan bahagia…

Sumber inspirasi saya yang lain adalah seniman grafiti – terutama seniman Prancis – termasuk Speedy Grafito untuk energi dan intensitas karyanya, Darko FBI (tetangga yang ramah di Prancis) serta Zenoy untuk gerakan yang ia masukkan ke dalam seninya. Saya suka karya mereka tetapi lebih dari itu, cerita mereka. Saya bahkan berkolaborasi dengan beberapa dari mereka. Mereka adalah bagian dari “keluarga” saya.

LouiseM

Anda mendapatkan komisi. Bagaimana proses kerjanya? Seberapa spesifik seharusnya komisi itu?

Pada kenyataannya, saya hanya bekerja ketika klien menugaskan saya untuk mengerjakan satu karya, karena seluruh proses kreatif saya didasarkan pada pertukaran ide ini dan bagaimana mereka menceritakan kisah yang sangat pribadi; Inilah inti dari pekerjaan saya dan sangat penting bagi saya. Saya kemudian dapat mengatur, mengubah semua ide dan menuangkannya ke dalam gambar.

Selain itu, saya sangat sering menunjukkan karya kepada klien seiring perkembangannya. Ada umpan balik yang konstan. Dan sering kali saya berkata pada diri sendiri “hei, jika saya melakukan ini, mungkin orang itu akan menyukainya dan terkejut.” Tidak ada yang lebih menyenangkan saya selain melihat kepuasan dan kegembiraan di wajah klien saya!

Tidak ada batasan untuk jenis pesanan yang dapat dipesan. Sebuah karya bisa menjadi lukisan yang terbuat dari berbagai media atau elemen dekoratif. Ini bisa berupa dekorasi dapur atau lukisan dinding… Hal ini berkontribusi lebih banyak pada keunikan karya seni – fakta bahwa ia juga memiliki fungsi uniknya sendiri.

LouiseM

Lima kata yang paling menggambarkan proses kreatif Anda setelah Anda memiliki penjelasan singkat?

Mendengarkan, saling bertukar, keseimbangan warna, kekuatan, akurasi, gairah (lebih dari 5!)

LouiseM

Anda menyukai dapur dan merasa ini adalah tempat terbaik di rumah untuk berbagi seni di antara keluarga. Mengapa demikian?

Dalam budaya Prancis, dapur dan seni kuliner memiliki tempat yang sangat penting karena, seperti di Singapura, kesenangan saat mengelilingi makanan dan masakan sangatlah penting. Dapur adalah tempat pertukaran, tempat gairah, tempat kita bertemu dengan keluarga dan teman-teman sambil makan atau minum. Ini adalah tempat kami memasak dan sering mengobrol tentang apa pun di bawah sinar matahari. Di sinilah ikatan yang kuat tercipta. Karenanya semakin populernya dapur terbuka dalam desain interior. Dikatakan demikian, dengan tren saat ini, semua dapur tampak sama. Bagaimana seseorang bisa memiliki dapur yang sama sekali berbeda, yang mencerminkan kehidupan orang-orang yang tinggal di sana? Di situlah ide yang dipersonalisasi bisa masuk, untuk menceritakan kisah kehidupan keluarga. Saya dapat mengubah sesuatu yang berfungsi menjadi sesuatu yang indah dan sangat berarti.

LouiseM

Boleh sebutkan beberapa karya seni dan kreasi Anda yang paling berkesan yang dapat Anda bagikan dengan kami?

Tentu saja, saya menyukai lukisan pertama yang saya buat untuk keluarga saya sendiri. Saya juga terikat pada backsplash “Logos”, yang terinspirasi, seperti namanya, oleh logo merek terkenal; Ini adalah pertama kalinya saya terjun ke dunia desain interior dan itu sukses. Memori yang sangat spesial.

Setiap lukisan memiliki cerita dan perjalanan emosional yang berbeda.

Terakhir, saya sedang mengerjakan lukisan dinding untuk sebuah apartemen di Singapura. Sangat menarik dan membuat saya ingin terus bekerja dengan media khusus ini.

LouiseM

Pengalaman terbaik Anda sejauh ini di Singapura?

Kami pindah ke Singapura pada Juli 2019. Tentu saja, situasinya istimewa saat ini mengingat Covid-19, tetapi tidak bisa bepergian sebenarnya telah memungkinkan saya dan keluarga saya untuk menjelajahi Singapura secara lebih mendalam. Saya harus mengatakan bahwa vegetasi yang subur sangat menginspirasi, dan saya kadang melakukan hiking di sekitar MacRitchie Reservoir secara teratur untuk membenamkan diri dalam keindahan alam.

Namun, pada akhirnya aktivitas favorit saya tetaplah pertemuan saya dengan klien. Saya menyukai perpaduan orang dan budaya khas Singapura ini. Ini menginspirasi dan bersemangat. Hubungan antarmanusia sangat kaya di sini. Saya bisa bepergian dan tumbuh berkat orang-orang.

LouiseM dapat dihubungi via: 

Email: [email protected] 

Website: LouiseM.fr

Instagram: louisem_artiste

Whatsapp: +6589077037

Pameran Christian Dior: Designer of Dreams Tampilkan Koleksi Gaun Bersejarah

Christian-Dior-exhibit-2

Paris sepertinya menjadi tempat favorit bagi gelaran fashion, desain dan lainnya, dari mulai pekan mode Haute Couture Fashion Week, hingga pembukaan kembali hotel ikonik yang berlangsung di pekan yang sama. Masih menambah daftar panjang gelaran itu, Dior menggelar pameran yang diberi tajuk “Christian Dior: Couturier Du Reve atau Designers of Dreams.”

Continue reading →